El jardín de las delicias.

-Título: El jardín de las delicias.

-Estilo: pertenece a la pintura flamenca (gótico).

-Cronología: 1500.

-Autor: Jerónimo Van Aken, El Bosco. Se movió entre la sátira popular  del medievo y la moral propugnada por los humanistas del Renacimiento.

-Contexto: a partir de la segunda mitad del siglo XV se produce un renacimiento en el Occidente europeo, en las ciudades flamencas se concentra la producción de tejido de lana y las grandes compañías instalan en Brujas representantes encargados del comercio de telas en Flandes y Barbante.

-Clasificación: se trata de un óleo sobre tabla, con temática religiosa y moralizante.

-Características formales: es una representación religiosa y moralizante dividida en tres partes en las que aparecen; en el lateral izquierdo el paraíso terrenal en el último día de la creación, en el centro se reflejan los pecados capitales entre los que adquiere mayor importancia la lujuria y en el lateral derecho se representa el infierno y la condenación eterna por los pecados cometidos con anterioridad. Cuando el tríptico aparece cerrado, podemos ver representado en su parte exterior una escena que alude al tercer día de la creación del mundo, en la que vemos un globo terráqueo en tonos grisáceos.

El procedimiento pictórico empleado para su realización es el óleo sobre tabla.
Todas las escenas excepto la del infierno presentan un rico colorido en el que predominan una gran cantidad de distintos verdes tonales.

Tanto en el lateral izquierdo como en el centro, la luz predominante es una luz natural mientras que en el lateral izquierdo apenas podemos observar mucha luz y la que hay procede de las cavernas, del interior de la tierra.
La obra central muestra una composición simétrica ya que del lago se ramifican dos ríos, uno al lado derecho y otro al izquierdo, y en el centro de éste aparece una esfera. En otro plano distinto un círculo de personajes rodea una laguna en la que se están bañando distintas parejas.

Los personajes muestran un alto grado de realismo ya que están trazados con gran precisión y minuciosidad, delicadeza en las transparencias y una fantasía desbordante para denunciar la lujuria y la promiscuidad sexual.

Todos los personajes de la obra se relacionan los unos con los otros mediante gestos que señalan acciones y cruce de miradas. En la parte de la obra que se corresponde con el infierno destacan las expresiones tanto corporales como faciales de dolor ante las torturas provocadas por personajes fantásticos.

-Conclusión: actualmente el cuadro forma parte de de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en el año 1939.

El descendimiento

Título: El descendimiento. 

Estilo: Pintura Flamenca.

Cronología: 1443.

Autor: Roger Van der Weyden. 

Contexto: A partir de la segunda mitad del siglo XV en las ciudades flamencas se concentra la producción de tejido que por su suavidad y su colorido desplazan a los de las ciudades francesas conquistando los mercados mediterráneos. Cuando éstas decaen, las compañías instalan representantes en Brujas, los cuales se encargan del comercio de telas de Flandes y Brabante.

Clasificación: Óleo sobre tabla.

Características formales: 

Es un tríptico donde apreciamos la bajada de Cristo para ser enterrado. Detrás, y subido a una escalera aparece un muchacho ayudando a bajarle. En la parte inferior de la obra, vemos representada a María llorando y casi en el suelo a causa del desmayo por la muerte de su hijo. 

Los colores destacados son especialmente el rojo de la ropa que lleva San Pedro y el azul del vestido de la Virgen María. En cuanto a la perspectiva podemos apreciar tres niveles, en el nivel más alto se encuentra representado un muchacho en una escalera, en el nivel central vemos el grupo de personas ayudando a tapar a Cristo con una sábana blanca, y en tercer nivel y último, vemos a María desmayada en el suelo. Los distintos tejidos con sus respectivos pliegues marcan el volumen de las figuras, y así se muestra un grado de realismo en la obra. Además, la calavera que aparece en el suelo, representa una vez más el símbolo de la muerte. En resumen, las tres perspectivas que podemos apreciar en la obra componen una forma de pirámide. 

En cuanto al análisis psicológico de los rostros de los personajes podemos ver tristeza y llanto debido a la muerte de Cristo. Las figuras, y en especial las mujeres, tienen un tono más pálido en la cara que los hombres, y parecen sentir más dolor.  El hecho de sujetar unos personajes a otros muestran una sensación de movimiento en la obra, lo cuál da un mayor naturalismo.

Conclusión: Este autor, al igual que los hermanos Van Eyck, muestra un gran interés por el detallismo. 

El matrimonio de Arnolfini.

Título: El matrimonio de Arnolfini. 

Estilo: Pintura Flamenca.

Cronología: Década de los años 30. 

Autor: Juan Van Eyck, estaba al servicio de los Borgoña y ejerció como diplomático en varias ocasiones. Van Eyck peregrina a Compostela y cuando abandona la Península Ibérica se establece en Brujas. 

Contexto: A partir de la segunda mitad del siglo XV en las ciudades flamencas se concentra la producción de tejido que por su suavidad y su colorido desplazan a los de las ciudades francesas conquistando los mercados mediterráneos. Cuando éstas decaen, las compañías instalan representantes en Brujas, los cuales se encargan del comercio de telas de Flandes y Brabante.

Clasificación: Óleo sobre tabla, retrato burgués con temática religiosa. 

Características formales: 

Es una representación religiosa realizada con óleo y el tema que trata es un matrimonio recién casado. Gracias a esta técnica, los colores tienen un mayor brillo y se aprecian mejor los detalles. La luz que ilumina a la pareja es natural puesto que lo que ilumina la habitación y sus rostros es la luz del sol. Fijándonos en el espejo que se encuentra detrás de la pareja, podemos observar que no sólo hay una ventana, sino que la luz que ilumina realmente al matrimonio y a la habitación entra por otras dos ventanas. 

En esta obra podemos apreciar dos perspectivas, en la primera vemos al matrimonio y al perro y en la segunda, gracias al espejo, vemos reflejado el resto de la acción. 

Las figuras tienen volumen gracias a los tejidos y con ellos a sus pliegues. Sobre todo, el detalle que hace parecer que la mujer está embarazada es el que marca el volumen de la esposa. 

En esta obra, Juan Van Eyck expresa todo con detallismo, por lo que podemos apreciar pequeñas cosas como son por ejemplo las naranjas situadas junto a la ventana, la lámpara, los dos pares de sandalias que relacionan al matrimonio con el hogar, el perro simboliza la fidelidad entre ambos, y el espejo muestra el resto del contenido de la obra. 

Podemos ver un cierto grado de realismo, sobre todo en los tejidos debido a los pliegues que muestran un modo naturalista. A esto le acompaña el análisis psicológico de los rostros de los personajes, en los que observamos cómo la mirada de la esposa hacia las dos manos agarradas y cómo la mano sobre su tripa muestran una sensación tanto de movimiento como de sentimiento, es decir, hay expresionismo. 

Conclusión: El empeño por el detallismo, es especialmente lo que hace que destaquen las obras de los hermanos Van Eyck. 

Políptico de san Bavón de Gante o del Cordero místico.

Título: Políptico de san Bavón de Gante o del Cordero místico. 

Estilo: Obra perteneciente a la pintura flamenca. 

Cronología: finales del siglo XIV y principios del XV. 

Autor: Los hermanos Hubert y Jan Van Eyck. 

Contexto: A partir de la segunda mitad del siglo XV en las ciudades flamencas se concentra la producción de tejido que por su suavidad y su colorido desplazan a los de las ciudades francesas conquistando los mercados mediterráneos. Cuando éstas decaen las compañías instalan representantes en Brujas, los cuales se encargan del comercio de telas de Flandes y Brabante. 

Clasificación: emplean el tema de la religión como tipo de pintura. 

Características formales: 

Es un retablo que se encuentra formado por 24 tablillas pintadas con óleo que representan una acción religiosa. Casi siempre se encuentra cerrado, y en él podemos apreciar al exterior las escenas menores, es decir,  La Anunciación, como por ejemplo vemos a la Virgen María, al arcángel Gabriel, y en la parte inferior encontramos las figuras de San Juan Bautista, San Juan Evangelista, etc. En el interior del retablo es donde realmente destaca la obra, como son en los paneles superiores Adán, ángeles cantores, la Deesis, formada por la Virgen María, Cristo en majestad y Juan el Bautista, ángeles músicos, y Eva. En el panel inferior central aparece representada la iglesia católica, paganos y judíos, la adoración del cordero, mártires mujeres y papas y obispos. En los paneles inferiores laterales vemos a Los Jueces Justos, a los Caballeros de Cristo, a Ermitaños y a Peregrinos. 

Los colores empleados para la realización de estos óleos hacen que podamos observar los distintos juegos cromáticos. La luz es natural ya que lo que normalmente ilumina a los personajes es la luz del sol. Hay una perspectiva desde distintos puntos de vista debido a que hay diferentes planos. Los personajes tienen volumen gracias a los pliegues de la ropa. 

Las figuras tienen un grado de realismo, ya que muestran naturalismo en los diferentes rasgos del rostro, de las articulaciones, gestos, etc. 

En cuanto al análisis psicológico de los rostros, como ya hemos dicho dan un mayor realismo a la obra, debido a la sensación de movimiento que dan como por ejemplo que tanto los caballos como las personas tienen un pie delante y el otro detrás, las manos, el juego de miradas entre los personajes, al hecho de tener en las manos un libro, que representan como si estuvieran leyendo en público, etc. 

Conclusión: La  obra empezada por Hubert fue continuada por su hermano Jan Van Eyck y tuvo un gran éxito, marcando así la pintura flamenca. Además de esto, una curiosidad fue que en la obra original Adán y Eva aparecen desnudos, y, en cambio, en las copias aparecen vestidos. 

Frescos de la vida de San Francisco de Asís.

-Título: frescos de la vida de San Francisco de Asís.

-Estilo: pertenecen a la pintura gótica de la escuela florentina.

-Cronología: realizados entre los años 1290 y 1300.

-Autor: Giotto di Bondone.

-Contexto: se produce la reforma cisterciense en la que se despoja a los templos de todo tipo de decoración, el despertar del Humanismo y la aparición de una nueva estructura social: la burguesía. Surgen en Italia durante el siglo XIV una serie de escuelas pictóricas como la de Siena y Florencia. 

-Clasificación: se trata de un fresco de temática religiosa.
-Características generales: Aparecen representados San Francisco que se encuentra en el centro de la parte inferior de la escena tendido sobre una especie de cama con la cabeza apoyada en un almohadón y a su alrededor se encuentra dispuesto un gran número de personas que aparecen en diferentes planos llorando por su muerte.
El procedimiento llevado a cabo en esta pintura es el fresco.
Respecto a la línea, apenas podemos apreciarla, ya que es muy fina y aparece muy poco marcada. Los colores empleados para la realización de estos frescos hacen que podamos observar distintos juegos cromáticos que aportan a los personajes luz, sombra en los pliegues de sus ropajes y relieve.

La portada del Juicio Final, León.

-Título: Portada del Juicio Final. 

-Estilo: escultura perteneciente al arte gótico. 

-Cronología: está realizada entre los años 1255 y 1270. 

-Contexto: se produce la reforma cisterciense en la que se despoja a los templos de todo tipo de decoración, el despertar del Humanismo y la aparición de una nueva estructura social: la burguesía. En la Península Ibérica se da la Reconquista y con Fernando III y Alfonso X caen Murcia, Sevilla y Córdoba.

-Autor: Maestro Enrique. 

-Clasificación: Se trata de una portada gótica en la que vemos representado a Cristo, María y San Juan intercediendo por las almas de los difuntos y dos ángeles con las armas Cristi. En el dintel aparecen, a un lado, los condenados, y, al otro, los salvados, acompañados hasta el cielo por monjes franciscanos. En el parteluz podemos observar a la Virgen con el niño. 

-Material: Piedra caliza.

-Características formales: Las distintas figuras que componen esta portada presentan un grado de realismo, y comunicación entre ellas. Existe proporción entre los distintos personajes aunque Cristo muestra jerarquización, ya que se diferencia de los demás por un mayor tamaño. Los paños dejan de ser geométricos, lo que diferencia al gótico de los estilos anteriores. Muestran un resalto en el cuerpo y en las formas de las articulaciones. Las figuras muestran una sensación de movimiento, tanto por la comunicación de miradas como por los sentimientos que reflejan los rostros. En el tímpano empieza a aparecer el horror vacui, sobre todo en la parte del dintel, y claramente, podemos observar una adaptación al marco. En cuanto al análisis psicológico de las figuras, se ve que los rostros muestran expresiones realistas, recalcando especialmente a la Virgen Blanca que se encuentra situada en el parteluz. Como es característico del gótico, aparece la Virgen con el niño en sus brazos, lo que muestra una relación entre ambos.

-Conclusión: En el parteluz aparece la Virgen Blanca, y es considerada la mejor escultura castellana de la época, ya que es muy clásica.

Puerta del Sarmental, Burgos.

-Título: puerta del Sarmental, Burgos.

-Estilo: pertenece al arte gótico.

-Cronología: mediados del siglo XIII.

-Contexto: se produce la reforma cisterciense en la que se despoja a los templos de todo tipo de decoración, el despertar del Humanismo y la aparición de una nueva estructura social: la burguesía. En la Península Ibérica se da la Reconquista y caen con Fernando III y Alfonso X algunas de las principales ciudades de Al Ándalus como Murcia, Sevilla y Córdoba.

-Autor: el tímpano se atribuye a un artista llamado Maestro del Beau Dieu de Amiens y la parte de debajo de éste se corresponde con el Maestro del Sarmental.

-Clasificación: se trata de una portada gótica en la que vemos representada en el tímpano a Jesús sedente como Pantócrator mostrando el Libro de la Ley y rodeado de los cuatro evangelistas que aparecen tanto sentados escribiendo en sus pupitres como en forma de tetramorfos. En las arquivoltas podemos observar dos temas diferentes; en primer lugar a los ángeles con instrumentos sagrados y en segundo lugar a personajes vestidos de reyes con instrumentos musicales de la Edad Media. En las jambas se colocan apóstoles, santos y profetas y en el parteluz aparece la figura del obispo Mauricio.

-Material: piedra caliza extraída de canteras cercanas a Burgos.

-Características formales: respecto al grado de realismo de las esculturas que forman la portada podemos decir que las figuras presentan realismo y comunicación visual entre ellas, como podemos observar en los apóstoles.

Las  figuras se encuentran completamente proporcionadas, aunque vemos cierta jerarquización ya que Cristo consta de mayor tamaño que el resto y los paños ya no son geométricos, sino que resaltan el cuerpo y con ello las formas.

En cuanto al movimiento, las figuras muestran sensación de movimiento ya que simulan tocar instrumentos y la disposición de las manos.
En el tímpano podemos observar que no hay horror vacui ya que hay espacio entre unas figuras y otras y también apreciamos una adaptación al marco. En cuanto al análisis psicológico vemos como las figuras presentan un rostro con expresiones realistas, y hay comunicación a través de las miradas.

-Conclusión: esta portada presenta una gran relación con las catedrales de Amiens y Reims ya que ambas tienen una puerta abocinada con dinteles, jambas y parteluz.

Puerta de la Coronería, Burgos.

-Título: puerta de la Coronería, Burgos.

-Estilo: pertenece al arte gótico.

-Cronología: realizada hacia el año 1520.

-Contexto: se produce la reforma cisterciense en la que se despoja a los templos de todo tipo de decoración, el despertar del Humanismo y la aparición de una nueva estructura social: la burguesía. En la Península Ibérica se da la Reconquista y caen con Fernando III y Alfonso X algunas de las principales ciudades de Al Ándalus como Murcia, Sevilla y Córdoba.

-Autor: Maestro Enrique.

-Clasificación: se trata de una portada gótica en la que vemos representada Cristo, María y San Juan intercediendo por las almas de los difuntos y dos ángeles con las armas Cristi. En el dintel aparece la puerta del cielo: por un lado los salvados, y, por otro, los condenados.

-Material: piedra caliza extraída de canteras cercanas a Burgos.

-Características formales: respecto al grado de realismo de las esculturas que forman la portada podemos decir que las figuras presentan realismo y comunicación visual entre ellas, como podemos observar en los personajes que aparecen representados en el dintel, que producen una sensación de estar comunicándose entre ellos.

Las figuras están completamente proporcionadas, y presentan una clara isocefalia entre ellas. Cristo se encuentra en medio del tímpano, lo que le concede más importancia. Los paños pierden su geometricidad y dejan ver partes del cuerpo que en los anteriores estilos ni siquiera destacaban por debajo de la ropa.

Respecto al movimiento, presenta una sensación de movilidad que se nos indica en el cruce de miradas, y en la representación de las acciones.

El tímpano se caracteriza por la adapctación al marco de las figuras que lo componen y no muestra ninguna señal de horror vacui. En cuanto al análisis psicológico, al igual que en la puerta del Sarmental, las figuras presentan comunicación entre ellas, pero con menos expresividad es los rostros.

-Conclusión: podemos relacionar este tímpano con el de la portada de la catedral de Chartres, ya que en ambos se encuentra reflejado el tema del juicio final.

Frescos de la capilla de los Scrovegni.

-Título: capilla de los Scrovegni.

-Estilo: los frescos pertenecen a la pintura gótica.

-Cronología: se corresponden a los años 1304 y 1306.

-Autor: giotto di Bondone

-Contexto: Se produce la reforma cisterciense en la que se despoja a los templos de todo tipo de decoración, el despertar del Humanismo y la aparición de una nueva estructura social: la burguesía. Surgen en Italia durante el siglo XIV una serie de escuelas pictóricas como la de Siena y Florencia.

-Clasificación: pintura de temática religiosa.

-Características generales: Se trata de un fresco de temática religiosa en el que aparece representados Cristo tras obrar la resurreción de Lázaro, Lázaro sostenido y a los pies de Cristo a sus hermanas Marta y María. Además, podemos observar a las doce apóstoles. A la derecha del fresco observamos cómo dos personas sostienen la tapa de la lápida de Lázaro.

El procedimiento pictórico empleado es el fresco.

Respecto a la línea podemos decir que adquiere una gran diferencia con respecto a los mosaicos bizantinos, ya que se trata de una línea menos marcada. Se abandona el fondo dorado propio del arte bizantino y se emplea el tono azul del cielo en el fondo. Respecto a la perspectiva de las figuras podemos hablar de profundidad, ya que se representan escalonadas en distintos planos y no hay jerarquías de tamaño entre ellas. En su composición casi todas las figuras que aparecen representadas guían su mirada hacia un mismo punto, en este caso, Lázaro resucitado. Esta obra presenta un alto grado de realismo, ya que tanto las miradas como los rostros muestran expresiones de sentimiento. Los paños dejan notar distintas partes del cuerpo y además da la sensación de la pesadez que éstos aportan. Podemos observar cierta complejidad respecto en los paños fúnebres de Lázaro.

La escena aparece representada sobre un paisaje casi abstracto en el que podemos observar al fondo a la derecha una montaña característica de giotto.